Cada década es testigo del surgimiento de movimientos musicales que definen su época. Los 90 no fueron la excepción, destacándose por la aparición de nuevos géneros y una explosión sin precedentes del rock. En particular, 1994 fue un año crucial en esta transformación, marcado por el lanzamiento de una serie de discos que moldearon el sonido de la época. Desde el auge del britpop hasta la evolución del grunge y el punk, representó un periodo de innovaciones y descubrimientos sonoros.

A continuación, revisamos doce discos lanzados hace tres décadas que, cada uno a su manera, definieron y moldearon el sonido de su tiempo.

1. Charly García - La Hija de la Lágrima

La Hija de la Lágrima marca un capítulo controvertido en la carrera de Charly García. Concebido inicialmente como una ópera-rock, el álbum tardó cuatro años en materializarse y, a pesar de su esperado lanzamiento, no logró consolidarse como el hito que el artista y la discográfica anticiparon. Con una campaña de publicidad que prometía “la vuelta del maestro", logró ventas notables, alcanzando el Disco de Platino con 60.000 copias, y presentó temas destacados como "Chipi Chipi" y "La Sal No Sala". Sin embargo, el disco enfrentó  críticas mixtas, con elogios por su ambición conceptual pero también comentarios desfavorables que lo describían como un trabajo fragmentado y confuso.

2. Oasis - Definitely Maybe

Oasis transformó el panorama del rock británico con su debut Definitely Maybe, un álbum que se consolidó como un ícono del britpop. Formada por los hermanos Gallagher, Noel y Liam, junto a Paul “Bonehead” Arthurs, Paul “Guigsy” McGuigan y Tony McCarroll, la banda logró revivir el rock británico en una época dominada por el grunge estadounidense y el shoegaze. Curiosamente, justo en el mes que marca el 30º aniversario de este trabajo, el grupo, disuelto, sorprende al anunciar su regreso, cerrando así una larga rivalidad entre los hermanos.

3. Nirvana - MTV Unplugged in New York

MTV Unplugged in New York de Nirvana es una obra que capturó un momento de introspección y vulnerabilidad única de la banda. Este recital, grabado el 18 de noviembre de 1993, destaca por su atmósfera íntima y su setlist inusualmente melancólico, que incluye versiones de temas de Meat Puppets y Vaselines junto a interpretaciones memorables de su propio repertorio. Con Kurt Cobain mostrando una faceta más  emocional, y la adición del chelo de Lori Goldston enriqueciendo la textura musical, el disco es un testimonio de la brillantez y la complejidad del grupo, además de ser uno de los unplugged más destacados en la historia del formato.

4. Blur - Parklife

Con su diversidad de estilos que van desde el synth pop hasta el garage rock, Parklife de Blur ofrece una visión multifacética de la vida británica. Temas como “Girls & Boys” y la titular “Parklife” se convirtieron en himnos que redefinieron el pop británico, mientras que el álbum, con su mezcla de humor satírico y agudas observaciones sociales, logró capturar tanto la diversión desenfadada como la introspección melancólica. La producció y la habilidad de Damon Albarn para mezclar géneros y estados de ánimo, aseguran que el álbum no solo resuena con los nostálgicos del pasado, sino que sigue siendo relevante y vibrante para nuevas generaciones.

5. 2 Minutos - Valentín Alsina

Valentín Alsina de 2 Minutos es un álbum seminal que marcó un antes y un después en la escena punk latinoamericana. Con una mezcla de crudo punk y letras que plasman la esencia de la vida en el conurbano, el disco se convirtió en un hito cultural. Desde "Arrebato" hasta el provocativo "Ya no sos igual", cada pista refleja la autenticidad y el descontento de una generación. Este debut no solo solidificó a la banda como referentes del género en Argentina, sino que también influyó en la creación de estilos como el rock barrial y la cumbia villera.

6. Alice in Chains - Jar of Flies

Jar of Flies de Alice In Chains es una obra inesperada que reconfiguró el panorama del grunge con su experimentación. El EP, el primero en debutar en el número uno del Billboard 200, es una colección de siete temas que destacan por su tono melancólico y acústico, contrastando con la crudeza de su predecesor Dirt. Con piezas como "Rotten Apple" y "Nutshell", el disco explora la vulnerabilidad y la introspección. "I Stay Away" mezcla guitarras acústicas con una sección de cuerdas, mientras que "Swing On This" ofrece un giro sorprendente hacia el blues.

7. Megadeth - Youthanasia

Youthanasia representa un punto culminante en la trayectoria de Megadeth, destacando la alineación Mustaine-Friedman-Ellefson-Menza. Mientras que los álbumes anteriores, Rust in Peace y Countdown to Extinction, se destacaban por su thrash agresivo y su modernidad melódica, este se adentra en territorios aún más oscuros. Con una mezcla de himnos doomy, el disco brilla con temas como “Addicted to Chaos" y la pista que da nombre al álbum. La impresionante portada, que muestra a una anciana colgando bebés en una cuerda, complementa la profunda producción del trabajo.

Aunque su estilo monótono puede ser un desafío para una escucha continua, la elegancia y la singularidad de Youthanasia lo consolidan como el álbum más sofisticado y melancólico en la discografía de Megadeth.

8. Green Day - Dookie

Dookie de Green Day marcó un antes y un después en la escena musical al romper con el predominio del grunge y ofrecer una dosis fresca de punk-pop. Este álbum debut llegó con una mezcla inigualable de sarcasmo, humor y ganchos melódicos que siguen vigentes tres décadas después. Desde "Burnout" hasta "Basket Case", la obra se distingue por su ritmo frenético, mientras que temas como "Welcome to Paradise" reflejan la visión crítica de la banda sobre la vida en barrios marginales.

9. Babasónicos -  Trance Zomba

Trance Zomba es uno de los grandes hitos en la carrera de Babasónicos, destacándose por su fusión de rap, funk, hardcore y psicodelia. Este segundo álbum de estudio plasma la atmósfera de los años 90 en Argentina, con letras incisivas que capturn el espíritu crítico de la época. Temas como "Desarmate" y "Malón" sobresalen por su energía intensa y sus letras mordaces, mientras que canciones como "Poder Ñandú" y "Árbol Palmera" evidencian la habilidad de la banda para equilibrar fuerza y sutileza. A diferencia del disco anterior, Pasto, este se caracteriza por un ritmo más contemplativo y estructuras de temas más elaboradas, mostrando la evolución de la banda dentro de la escena alternativa argentina.

10. Pink Floyd – The Division Bell

The Division Bell de Pink Floyd se presenta como un testamento de despedida para la banda británica. El álbum, el decimocuarto de su carrera, marca el regreso de Richard Wright como miembro oficial tras su ausencia en el disco anterior. A pesar de la crítica mixta, el trabajo logró capturar la esencia de la banda con una atmósfera nostálgica y reflexiva. Temas como "High Hopes" y "Keep Talking" exploran la comunicación y el cierre de ciclos, mientras que la participación de Stephen Hawking en "Keep Talking" añade un toque futurista. Con una producción que mezcla introspección y esperanza, la obra se convirtió en un éxito comercial, alcanzando el número uno en las listas del Reino Unido y Estados Unidos, y ganó un Grammy por la canción "Marooned".

11. Pulp - His ‘n’ Hers

Con una mezcla de letras agudas y observacionales sobre la vida cotidiana y las relaciones humanas, His ‘n’ Hers de Pulp es un disco que describe la cultura británica con humor y profundidad. Temas como "Common People" se pronuncian como himnos de la clase trabajadora, mientras que "Do You Remember the First Time?" muestra una mirada nostálgica a los primeros romances.

12. The Rolling Stones - Voodoo Lounge

En Voodoo Lounge, los Rolling Stones renovaron su energía con una fórmula clásica pero revitalizada. Tras la salida del bajista Bill Wyman, la banda se consolidó como un cuarteto, y la adición del bajista Darryl Jones marcó un nuevo capítulo. Bajo la producción de Don Was, el álbum destaca por su robusta mezcla de rock. Con temas como “Love Is Strong” y “You Got Me Rocking”, el disco presenta una robusta vuelta a las raíces del género. Aunque algunos críticos sintieron que el álbum no alcanzaba las alturas de sus clásicos de décadas anteriores, la obra demostró que los Stones aún podían ofrecer una experiencia única y emocionante.