BORIS BREJCHA
¿Cómo fue compartir escenario con Malena Narvay durante tu última visita a Argentina?
Fue uno de esos momentos que ocurren arriba del escenario y sabés inmediatamente que te van a acompañar durante mucho tiempo. Malena tiene una voz que no pide tu atención, la impone. Lo que más me impactó fue la naturalidad con la que habitó el espacio de la música.
La música electrónica puede ser exigente para un vocalista porque no existe una estructura tradicional en la que apoyarse, no hay un verso y un estribillo que te guíen. Tenés que entregarte a la textura del sonido y encontrar tu lugar dentro de ella. Y ella lo hizo de una forma completamente natural.
El público también lo sintió. Hubo un cambio en la energía de la sala en el momento en que empezó a cantar. Ya no era Boris Brejcha con una artista invitada. Se convirtió en algo que nos pertenecía a los dos y, al mismo tiempo, a todas las personas que estaban ahí.
¿Cómo cambió la energía de esta gira en comparación con tu última visita al país?
La escala cambió, obviamente. Reflections es una producción mucho más grande. Pero lo que más me sorprende es que no se perdió la intimidad. Ese suele ser el riesgo cuando un show crece: ganás en espectáculo, pero podés perder la conexión personal.
Con este show trabajamos mucho para asegurarnos de que eso no sucediera. Toda la arquitectura visual está pensada para atraer al público hacia adentro, no para convertirlo en un simple espectador.
Entonces, incluso estando rodeado por decenas de miles de personas, seguís sintiendo que el show te está hablando directamente.
Además, siento que la energía en Argentina también evolucionó. La gente conoce la música mucho más profundamente. Ya no reaccionan únicamente a ciertos momentos, sino que anticipan lo que viene y viven el recorrido completo del set. Eso cambia por completo mi forma de tocar.
"Cuando un show crece, existe el riesgo de perder la conexión personal. Trabajamos mucho para evitarlo."
¿Qué tiene el público argentino que no encontrás en ninguna otra parte del mundo?
La generosidad. Y lo digo en un sentido muy específico, musical. La mayoría de los públicos te entregan su energía a cambio de la tuya; es una especie de intercambio. En Argentina, en cambio, la gente te la entrega antes de que la hayas ganado.
Entran al recinto ya abiertos, comprometidos y convencidos de que algo importante va a suceder. Ese nivel de generosidad te coloca en un estado mental completamente diferente como artista. No necesitás pasar la primera parte del set intentando ganarte su confianza. Llegás mucho más rápido a ese punto máximo y podés dedicar toda la noche a profundizar en vez de simplemente ampliar.
Nunca experimenté un nivel de apertura tan incondicional en otro lugar. Por eso Buenos Aires es, para mí, uno de los escenarios más importantes del mundo.
¿Ya estás trabajando en nueva música mientras estás de gira o en este momento estás enfocado únicamente en los shows?
Ambas cosas, siempre. No sé cómo apagar una mientras la otra sigue funcionando. Las giras alimentan al estudio y el estudio alimenta a las giras. Para mí no son procesos separados.
Cuando estoy viajando llevo una versión reducida de mi setup y grabo ideas constantemente. Puede ser un sonido que escucho en el lobby de un hotel, una melodía que aparece en la camioneta entre una ciudad y otra o incluso la forma en que la reverberación de un determinado venue me hace escuchar una canción de una manera distinta.
Todo eso termina convirtiéndose en bocetos que más adelante se transforman en música. La gran diferencia es que durante una gira puedo probar las ideas de inmediato. Puedo terminar algo por la tarde, tocarlo esa misma noche y saber en treinta segundos si funciona o no.
Ese tipo de retroalimentación es algo que el estudio no puede darte. Algunas de las canciones más importantes para mí comenzaron como notas de voz grabadas a las cuatro de la mañana, después de un show.
¿Qué canción de tu set actual disfrutás más tocar?
Hay una canción con la que estoy cerrando algunas partes del show y que todavía no puedo nombrar porque permanece inédita, pero es la que más espero cada noche.
Tiene una estructura que necesita que el público llegue a un lugar emocional muy específico para funcionar, así que paso toda la primera parte del set construyendo las condiciones para que ese momento ocurra.
Y cuando funciona, sucede algo difícil de describir. La temperatura de la sala cambia. Entre las canciones ya publicadas, en este momento disfruto especialmente tocar "Gravity". Hay una melancolía en esa canción que refleja muy bien el momento creativo en el que me encuentro. No es la canción más explosiva del set, pero sí es la que más se parece a mí hoy.
"Paso toda la primera parte del show construyendo las condiciones para ese momento. Y cuando sucede, la temperatura de la sala cambia."
ANN CLUE
¿Cómo describirías la principal diferencia entre tu estilo musical y el sonido de Boris?
Boris tiene un sonido muy característico: lúdico, casi cinematográfico e inconfundiblemente suyo. Podés reconocer una canción de Boris en cuestión de segundos.
Mi sonido suele ir hacia un lugar más hipnótico, más intenso en cierto sentido. Tiene matices más oscuros, pero sigue siendo emocional. Creo que nos complementamos muy bien porque no somos iguales: somos dos expresiones diferentes de un mismo universo. Y, para ser sincero, aprendí a producir gracias a Boris, así que soy bastante parcial (risas). Fue, y sigue siendo, mi mentor cuando se trata de producción.
Después de tantos años de gira, ¿cuál es el secreto para mantener la energía y la creatividad?
Proteger aquello que te nutre. Después de casi un millón de millas recorridas y más de 90 países visitados, aprendí que la energía no es infinita, a menos que uno se ocupe conscientemente de recuperarla.
Para mí eso significa movimiento, descanso, buena alimentación y tiempo completamente alejado de las pantallas y de los escenarios. La creatividad muere en el agotamiento; florece en la quietud.
Puede sonar contradictorio en esta industria, pero es una de las cosas más importantes que aprendí. Somos seres humanos, no máquinas de hacer cosas. Tomarse el tiempo para descubrir quién sos y reflexionar es una parte fundamental de mi vida. "La creatividad muere en el agotamiento; florece en la quietud."
¿Sentís que el público argentino conecta de una manera diferente con tu música?
Sí, cien por ciento. Creo que tiene que ver con que escuchan con todo el cuerpo. Hay una apertura emocional en el público argentino que permite que la música llegue más profundo. No se guardan las reacciones, y eso hace que puedas sentir el intercambio de energía en tiempo real. Ese ida y vuelta es algo completamente distinto.
"Hay una apertura emocional en el público argentino que permite que la música llegue más profundo."
¿Hay alguna canción que sea imprescindible cada vez que tocás en Argentina?
Definitivamente "Roadtrip". Especialmente cuando comparto fecha con Boris, ya sea antes o después de él. Simplemente no sería lo mismo sin esa canción.
¿Cómo hacés para mantener viva la creatividad cuando pasás gran parte del año de gira?
Tenés que construir una vida alrededor de las giras, no únicamente dentro de ellas. Durante mucho tiempo viví exclusivamente en la ruta y eso también se reflejaba en mi música: era intensa, impulsiva, constante. Pero los cambios creativos más interesantes aparecieron cuando empecé a generar más momentos de calma para contrastar con todo eso.
Escribo, observo y, a veces, incluso me permito aburrirme. La chispa creativa no aparece por hacer más cosas; aparece cuando generás el espacio suficiente para que algo nuevo pueda llegar.
"La chispa creativa no aparece por hacer más cosas, sino por crear el espacio para que algo nuevo pueda llegar."
